Kekuatan Fashion Afrika Melampaui Exoticism: Desainer Afrika yang Mengubah Narasi dan Mendefinisikan Ulang Mode Global

Selama bertahun-tahun, fashion Afrika sering disalahartikan sebagai “tribal” atau “eksotis,” disederhanakan menjadi representasi kulit macan atau kain lumpur. Masalah mendasar dalam narasi global ini adalah kecenderungan untuk menggunakan fashion Afrika sebagai “titik referensi,” di mana sumber aslinya (Afrika) diabaikan sementara derivatifnya diagungkan. Stereotip ini secara efektif membatasi ruang lingkup industri, mereduksi kekayaan budaya benua menjadi tren yang bersifat novelty atau temporer.

Namun, generasi desainer kontemporer Afrika secara tegas menolak narasi pasif ini. Mereka muncul sebagai “sumber inovasi abadi” (lasting innovation) dan otoritas kreatif. Dampak fashion Afrika saat ini tidak hanya terbatas pada penciptaan gaya; ini adalah gerakan yang lebih luas yang berfokus pada pemberdayaan masyarakat, penentuan ulang standar kecantikan, dan penekanan pada etika. Melalui karya mereka, para desainer ini menawarkan koleksi yang merayakan “identitas berganda dan tambalan pengaruh yang luar biasa kaya” , menuntut kedaulatan atas desain dan rantai nilai mereka sendiri.

Klaim kedaulatan ini melampaui estetika semata. Desainer Afrika kini berfokus pada pendefinisian sistem produksi baru—menciptakan ekuitas dan penentuan nasib sendiri—sebagai respons terhadap sejarah panjang eksploitasi dan apropriasi budaya. Dengan menguasai rantai nilai dari hulu ke hilir, mereka mengubah Africa dari penerima pasif inspirasi menjadi otoritas kreatif dan ekonomi.

Kritik Terminologi: Mengatasi Homogenisasi “Fashion Afrika”

Meskipun terdapat narasi kolektif mengenai kebangkitan fashion Afrika, para profesional industri kritis terhadap homogenisasi istilah tersebut. Benua Afrika terdiri dari 54 negara, masing-masing memiliki patrimoni kreatif, tantangan ekonomi, dan sumber daya yang unik. Menggunakan istilah “Fashion Afrika” secara tunggal mengaburkan esensi keragaman ini.

Omoyemi Akerele, pendiri Lagos Fashion Week (LFW), berpendapat bahwa ketika negara-negara dikelompokkan alih-alih didekati secara country-by-country, esensi sejati fashion Afrika akan hilang. Pengelompokan yang luas ini jarang diterapkan pada benua lain, seperti ‘Fashion Eropa’ atau ‘Fashion Asia’, yang semakin menyoroti standar ganda dalam pelaporan mode global.

Laporan ini secara strategis berfokus pada Nigeria, Afrika Selatan, dan Ghana. Ketiga negara ini diakui sebagai pusat-pusat mode utama di sub-Sahara Afrika karena mereka telah berhasil membudidayakan label-label mewah yang kompetitif, didukung oleh infrastruktur start-up dan bisnis yang sedang berkembang. Perbedaan mendasar dalam pendekatan kreatif dan struktur industri mereka menawarkan pemahaman yang bernuansa tentang lanskap mode Afrika.

Kerangka Analisis: Fashion sebagai Penceritaan Budaya dan Kendaraan Politik

Fashion di tangan desainer Afrika kontemporer berfungsi sebagai medium yang kuat, menggabungkan seni dan politik. Ini dioperasikan sebagai praktik afro-ensiklopedis—kendaraan untuk mengabadikan sejarah, budaya, dan isu-isu sosial yang mungkin terlupakan.

Bagi desainer ini, pakaian bukanlah tujuan akhir; desain adalah seni yang dipakai (wearable art) yang membawa bahasa universal. Strategi ini secara khusus efektif di segmen mewah/premium. Mengingat kesulitan dalam bersaing dengan harga ritel global yang sangat rendah dan masalah logistik intra-Afrika yang mahal, desainer secara cerdas memposisikan merek mereka di puncak pasar. Nilai tambah ini tidak hanya dibenarkan oleh harga, tetapi melalui craftsmanship yang etis, narasi storytelling yang mendalam, dan warisan budaya yang otentik , menawarkan koneksi yang lebih kuat antara pemakai dan pembuat.

Nigeria: Arsitek Kemewahan Kontemporer dan Infrastruktur Ekosistem Bisnis

Nigeria, yang didorong oleh populasi muda yang dinamis dan pusat kreatif Lagos, telah menjadi pemimpin dalam konversi tekstil tradisional menjadi produk mewah siap pakai secara global, sering kali memimpin dalam inovasi teknis dan pengembangan infrastruktur.

Lisa Folawiyo: Transformasi Ankara dari Tekstil Massal menjadi Kemewahan Kontemporer

Lisa Folawiyo, melalui mereknya Jewel by Lisa, adalah sosok transformatif dalam fashion Nigeria. Folawiyo mengatasi dikotomi lama di mana fashion Afrika dianggap “tradisional yang tidak dimurnikan” atau “terinspirasi Barat dengan sentuhan Afrika”. Inovasinya terletak pada transformasi radikal kain Ankara—kain cetak lilin Afrika yang populer—dari tekstil massal menjadi barang mewah kontemporer.

Dia memperkenalkan teknik embellishment tanda tangan yang sangat rumit, menaburi Ankara dengan payet, manik-manik, dan kristal. Teknik yang intensif keterampilan dan padat karya ini secara instan mengangkat persepsi kain tersebut, menjadikannya ‘runway-worthy’ dan bukan hanya ‘market-wear’.

Model penciptaan nilai Nigeria ini sangat penting: desainer menggunakan skill-intensive human labor (seperti embellishment dan tenun tangan) sebagai fitur kemewahan yang unik. Ini adalah strategi yang cerdas untuk mengkompensasi tantangan infrastruktur teknologi tinggi dan mengatasi masalah skalabilitas cepat, menekankan kualitas bespoke dan artisanal craftsmanship. Kolaborasi strategis Folawiyo dengan toko ritel mewah global, seperti Bergdorf Goodman dan Browns, lebih lanjut memvalidasi kemewahan baru fashion Nigeria dan memperluas jangkauan pasarnya.

Kenneth Ize: Menenun Keberlanjutan dan Sistem Produksi yang Adil

Kenneth Ize telah diakui secara global sebagai perancang yang tidak hanya membuat pakaian, tetapi juga “merancang sistem ekuitas dan penentuan nasib sendiri”. Inti dari filosofi desain Ize adalah penggunaan tekstil tenun tradisional Aso Oke dan kain tie-dye (seperti Adire), yang ia angkat ke panggung internasional.

Inovasi terbesarnya adalah integrasi vertikal dan komitmen etis. Ize mendirikan pabrik di Nigeria untuk memproduksi sebagian besar koleksinya, sebuah tindakan yang memastikan tradisi dihormati dan diberdayakan, sekaligus menciptakan lapangan kerja lokal. Keputusan ini menempatkannya sebagai suara terdepan dalam etika produksi di tengah meningkatnya percakapan global tentang apropriasi budaya dan manufaktur yang adil.

Pekerjaan Ize adalah bukti nyata bahwa ketika tradisi dihormati dan diberdayakan, ia tidak memudar, melainkan memimpin. Pengakuan Ize mencapai puncaknya dengan debut Paris Fashion Week pra-pandemi, di mana ikon global Naomi Campbell berjalan untuk mereknya. Kehadiran Ize di panggung mode tertinggi menegaskan bahwa elemen artistik Afrika sangat diperlukan untuk fashion inovatif dan sejati.

Institusi Inkubasi: Peran Omoyemi Akerele dan Lagos Fashion Week (LFW)

Kekuatan Nigeria juga terletak pada fondasi institusional yang dibangun oleh Omoyemi Akerele. Ia meluncurkan Lagos Fashion Week pada tahun 2011 sebagai intervensi ekonomi yang disengaja.Akerele melihat adanya “lubang menganga antara para desainer yang membayangkan pakaian dan para pengrajin yang bekerja tanpa lelah di belakang layar untuk menciptakan bersama mereka”.

Melalui Style House Files, Akerele telah menciptakan platform transformatif untuk advokasi, masterclass, dan dukungan inkubasi. Inisiatif seperti SHF Trains bertujuan untuk meningkatkan kapasitas manufaktur garmen Nigeria, menciptakan pekerjaan lokal, dan mendukung pertumbuhan ekspor.

Peran Akerele menunjukkan pemahaman bahwa fashion tidak dapat bersaing secara global tanpa rantai pasok lokal yang terstruktur dan berkualitas. Desainer Nigeria dan LFW tidak hanya membuat pakaian; mereka membangun infrastruktur industri dari hulu ke hilir. Upaya ini telah membuka pintu bagi desainer di seluruh Afrika, menghubungkan mereka dengan pasar internasional dan entitas global seperti USAID dan UN SheTrades, yang secara definitif memposisikan Lagos sebagai pusat kreatif yang setara.

Afrika Selatan: Fashion sebagai Kendaraan Penceritaan Politik dan Filosofis

Fashion Afrika Selatan memiliki kecenderungan intelektual dan afro-ensiklopedis yang kuat. Desainer di sini menggunakan mode sebagai medium untuk menyajikan narasi sejarah, politik, dan identitas sosial yang kompleks, mengubah pakaian menjadi dokumen budaya dan kritik sosial.

Thebe Magugu: Prinsip Afro-Ensiklopedis dan Kemenangan LVMH

Thebe Magugu, pemenang LVMH Grand Prize 2019 , adalah contoh utama dari pendekatan ini. Mereknya, didirikan pada tahun 2016, beroperasi di bawah prinsip afro-ensiklopedis: sebuah upaya untuk menangkap dan mengabadikan sejarah, budaya, dan masyarakat kunci yang berisiko dilupakan, “diabadikan selamanya melalui kekuatan kain”.

Magugu secara eksplisit melihat fashion sebagai “kendaraan untuk bercerita dan pendidikan,” menciptakan “pakaian pribadi dengan pesan politik”. Koleksi-koleksinya diberi nama berdasarkan subjek akademik yang bermakna, seperti Gender Studies, Genealogy, Counter Intelligence, dan yang terbaru, Reparations. Penamaan ini menunjukkan bahwa setiap pakaian adalah dokumen sejarah atau komentar sosial yang mendalam. Desainer ini percaya bahwa fashion berada pada titik terkuatnya ketika ia “memanggil orang untuk bertindak, mengangkat isu, atau mengatasi sesuatu”.

Kedalaman intelektual ini adalah mata uang penting di pasar mewah global. Magugu memposisikan dirinya bukan hanya sebagai perancang pakaian, tetapi sebagai sejarawan budaya dan komentator politik, sebuah pendekatan yang sangat meningkatkan nilai seni dan resonansi mereknya. Filosofi desainnya—menggabungkan desain yang ramping dan berwawasan ke depan dengan motif dari masa lalu benua—juga merupakan penghormatan yang mendalam terhadap wanita, tumbuh dari pengalamannya di rumah yang didominasi wanita.

Rich Mnisi dan Bahasa Desain Avant-Garde

Merek Rich Mnisi dikenal karena pendekatannya yang avant-garde dan eksperimental. Meskipun desainnya berorientasi futuristik, Mnisi secara teratur menyisipkan referensi warisan Afrika Selatan melalui penggunaan warna-warna cerah, tekstur, dan penceritaan yang secara halus maupun eksplisit mengacu pada narasi dan estetika masyarakat adat.

Para desainer Afrika Selatan secara kolektif unggul dalam menginterpretasikan skrip sosial budaya tradisional. Mereka mengadopsi elemen dari budaya Zulu, Xhosa, Swazi, dan Ndebele. Misalnya, manik-manik Xhosa berfungsi sebagai bahasa non-verbal yang rumit. Pola geometris dan warna yang disengaja (putih untuk kemurnian, merah untuk koneksi leluhur) menyampaikan informasi sosial, spiritual, dan sejarah, seperti status perkawinan atau peran spiritual dalam komunitas. Kemampuan untuk menenun kedalaman makna ini ke dalam desain modern memberikan fashion Afrika Selatan orisinalitas naratif yang membedakannya di pasar global yang jenuh.

Dialog Intra-Afrika dan Pengakuan Global

Kemenangan Thebe Magugu di LVMH Prize dan pengakuan berkelanjutan untuk merek-merek seperti Nao Serati (yang telah berkolaborasi dengan Reebok dan Volvo) telah secara definitif menggeser konotasi fashion Afrika secara global. Kemenangan ini membuktikan bahwa desainer benua ini diakui dan divalidasi oleh institusi mode tertinggi.

Yang juga penting adalah munculnya dialog desain intra-Afrika. Meskipun infrastruktur perjalanan dan logistik di benua itu seringkali membuat perjalanan ke Paris atau Milan lebih mudah daripada ke Lagos atau Johannesburg , desainer semakin melihat ke dalam benua untuk inspirasi. Terdapat bukti perancang dari negara lain, seperti desainer Mali, yang secara eksplisit mengambil inspirasi dari kerajinan manik-manik Zulu Afrika Selatan. Ini menunjukkan tekad untuk membangun referensi estetika internal kontinental, mempromosikan eksplorasi South-South yang semakin meningkat.

Ghana: Kerajinan Tangan Berkelas dan Desain Global yang Canggih

Ghana memiliki warisan tekstil yang kuat dan sangat simbolis. Para perancangnya secara strategis memosisikan diri pada perpaduan kerajinan tangan tradisional yang canggih dengan siluet modern, menargetkan segmen pasar yang mencari ‘Made in Ghana Luxury’ yang effortlessly chic.

Christie Brown: Definisi Ulang ‘Made in Ghana Luxury’

Christie Brown, yang didirikan oleh Aisha Ayensu pada tahun 2008, adalah rumah mode mewah kontemporer yang berfokus pada menenun warisan dan keahlian Afrika ke dalam desain global yang canggih dan ditinggikan. Aisha Ayensu menafsirkan ulang teknik artisanal tradisional dan menggabungkannya ke dalam siluet modern.

Estetika Christie Brown dicirikan oleh sentuhan embossing yang terinspirasi dari Kente yang ditenun dengan tangan, potongan geometris, dan bordir yang memukau. Penekanan pada teknik yang rumit dan unik ini menunjukkan upaya yang disengaja untuk menjustifikasi harga premium melalui keahlian tak tertandingi, yang pada dasarnya merupakan bentuk perlindungan terhadap peniruan cepat.

Bersama dengan perintis seperti Kofi Ansah, Christie Brown telah membawa estetika Ghana ke runway global di New York dan seterusnya, menunjukkan bahwa keahlian tradisional yang disempurnakan dapat selaras sempurna dengan estetika haute couture global.

Memodernisasi Tekstil Warisan: Kente dan Fugu

Ghana memiliki warisan tekstil yang kaya, termasuk Kente, Adinkra, Batik, dan tie-dye. Kain Kente adalah ikon utama, di mana setiap pola adalah narasi budaya yang melambangkan nilai-nilai seperti persatuan dan kekuatan. Desainer kontemporer terampil mengintegrasikan kain yang sarat simbol ini ke dalam gaya modern.

Desainer seperti Atto Tetteh mengeksplorasi tema keragaman dan persatuan, menggunakan kain tradisional Ghana seperti fugu dan kente dalam koleksi modernnya, seperti “S Theorem”. Karya Tetteh telah menarik perhatian global, termasuk liputan di Vogue dan pengakuan oleh Beyoncé’s Black-Owned Business List pada tahun 2020.

Praktik Berkelanjutan sebagai Warisan

Ghana memiliki komitmen yang kuat terhadap produksi etis, yang sejalan dengan minat global yang meningkat dalam desain ramah lingkungan. Desainer menggunakan bahan-bahan yang bersumber secara lokal dan berkelanjutan seperti kapas organik, kulit, dan manik-manik.

Bagi merek Ghana, keberlanjutan seringkali bukan hanya tren modern, tetapi perpanjangan dari praktik ancestral. Desainer seperti Osei-Duro dikenal karena kain celup tangan dan potongan kontemporer, menggabungkan keahlian lokal dengan sensitivitas fashion global. Mereka secara efektif mengkapitalisasi warisan praktik produksi yang sudah slow dan sustainable secara inheren, memberikan narasi otentik yang lebih kuat di pasar Barat dibandingkan klaim keberlanjutan oleh merek fast fashion.

Tiga pusat kekuatan ini menunjukkan keragaman dalam pendekatan strategis mode Afrika: Nigeria memimpin dalam industrialisasi artisanal dan embellishment yang mewah; Afrika Selatan memimpin dalam intelektualisasi mode dan penceritaan politik; dan Ghana berfokus pada penyempurnaan keahlian warisan menjadi desain global yang canggih.

Table: Perbandingan Kekuatan Budaya dalam Desain Fashion Afrika

Analisis Lintas Batas: Infrastruktur, Etika, dan Ekonomi Kreatif

Kekuatan fashion Afrika tidak hanya diukur dari desain, tetapi juga dari bagaimana desainer mengatasi tantangan struktural dan membangun ekosistem yang berkelanjutan dan adil.

Rantai Nilai, Keberlanjutan, dan Pemberdayaan Komunitas

Desainer Afrika memposisikan diri di garis depan fashion berkelanjutan. Mereka mempromosikan praktik slow fashion dengan menekankan penggunaan bahan biodegradasi pribumi dan craftsmanship tradisional. Kunci dari pendekatan ini adalah transparansi dan penceritaan. Ketika konsumen memahami cerita di balik pakaian—siapa yang membuatnya, apa inspirasinya, dan bagaimana ia mendukung komunitas—mereka melihat nilai yang berbeda, mendorong apresiasi terhadap kualitas daripada kuantitas.

Pemberdayaan wanita adalah hasil alami dari fokus pada keahlian tangan. Industri fashion di seluruh Afrika secara teratur mempekerjakan dan melatih wanita, termasuk mereka yang mengungsi, seperti yang dilakukan oleh Cynthia Abila di Nigeria. Ini menjadikan sektor mode sebagai kekuatan penting untuk pembangunan sosial dan inklusivitas.

Bagi merek internasional, terdapat peluang besar untuk menetapkan sub-Sahara Afrika sebagai tujuan sourcing yang bertanggung jawab dan etis sejak awal, yang dapat membantu mencegah tantangan yang melanda wilayah manufaktur lain. Ethiopia, misalnya, menunjukkan komitmen untuk membangun sektor tekstil dan garmen yang etis, memproyeksikan ratusan ribu peluang kerja.

Hambatan Struktural dan Dilema Pakaian Bekas (Mitumba)

Meskipun terdapat optimisme mengenai pertumbuhan populasi dan kelas menengah di Afrika, industri fashion menghadapi tantangan struktural yang serius.

Krisis Ekonomi dan Limbah Tekstil

Saat ini, pakaian garmen masih dianggap mewah bagi sebagian besar konsumen di Afrika, yang secara historis memiliki akses ke impor barang bekas yang sangat murah. Konflik terbesar adalah Mitumba—banjir pakaian bekas (limbah tekstil) dari negara-negara Utara. Impor ini merusak kapasitas manufaktur lokal dan menciptakan krisis lingkungan yang parah. Di Ghana, Kenya, Nigeria, dan Afrika Selatan, pakaian bekas ini beredar luas. Sayangnya, kualitas barang bekas yang masuk semakin buruk, sehingga sebagian besar (di Kenya, sekitar 458 juta dari 900 juta potong yang diimpor pada 2021) tidak memiliki nilai dan langsung menjadi limbah. Konflik struktural ini menghambat pertumbuhan segmen pasar mass-affordable lokal, memaksa desainer Afrika untuk bersaing hanya di ceruk mewah. Agar mode Afrika mencapai potensi kepemimpinannya, diperlukan kebijakan perdagangan internasional yang membatasi impor pakaian bekas berkualitas rendah untuk memungkinkan produsen Afrika menargetkan konsumen lokal dengan harga yang terjangkau.

Kekayaan Intelektual dan Logistik

Kurangnya perlindungan Kekayaan Intelektual (HAKI) dan masalah copyright infringement adalah ancaman yang signifikan terhadap profitabilitas jangka panjang dan inovasi. Kemudahan replikasi desain digital telah memperburuk masalah ini. Selain itu, logistik intra-Afrika yang sulit dan mahal  menjadi penghalang besar bagi perluasan pasar regional dan mengharuskan desainer untuk mengandalkan e-tailer spesialis untuk mencapai pasar global.

Platform Digital dan Akselerasi Pasar Global

Platform digital dan e-commerce memainkan peran penting dalam mendemokratisasi akses dan mengatasi kendala fisik. E-tailer multibrand spesialis seperti Industrie Africa dan The Folklore menyediakan akses pasar yang sangat diperlukan, dukungan bisnis, dan teknologi kepada desainer.

Selain itu, adopsi digital design dan alat bertenaga AI membantu desainer mengatasi masalah supply chain dan infrastruktur. Virtual design menghilangkan kebutuhan akan bahan baku yang sulit dikirim atau mahal, mempercepat ideasi dan prototyping. Platform digital ini memungkinkan desainer untuk menampilkan budaya, berinovasi dengan cepat, dan terlibat secara global, melampaui kendala fisik.

Kolaborasi Global: Validasi Budaya dan Komersial

Pengakuan institusional dan kolaborasi komersial besar-besaran berfungsi sebagai validasi paling kuat bahwa fashion Afrika telah beralih dari status “eksotis” menjadi “otoritatif.”

Program LVMH Prize, melalui mentorship dan dukungan finansialnya, memberikan kredibilitas bisnis dan membantu desainer mengatasi tantangan operasional dan hukum. Kemenangan Thebe Magugu menegaskan bahwa talenta Afrika kini diukur dengan standar industri global tertinggi.

Selain itu, kolaborasi lintas sektor—seperti kemitraan Labrum London (merek menswear dengan pengaruh Afrika Barat) dengan Adidas dan Arsenal untuk runway show di Emirates Stadium—menunjukkan bahwa fashion Afrika kini mampu menjembatani kesenjangan budaya dan mencapai audiens massal melalui kemitraan yang signifikan. Kolaborasi semacam itu mengkomersialkan narasi budaya tanpa mereduksi nilainya, menjadikannya bagian integral dari bahasa visual global.

Table: Tantangan Struktural dan Keberlanjutan dalam Industri Fashion Afrika

Kesimpulan

Fashion Afrika telah menyelesaikan transisinya dari titik referensi budaya menjadi sumber inovasi global yang berdaulat. Para desainer dari Nigeria, Afrika Selatan, dan Ghana, seperti Kenneth Ize, Thebe Magugu, dan Christie Brown, telah secara efektif mendekolonisasi panggung mode global dengan menolak homogenisasi dan mengklaim kembali kontrol narasi dan rantai nilai. Mereka tidak hanya membuat pakaian yang “terinspirasi” dari warisan, tetapi mendefinisikan ulang kemewahan, keberlanjutan, dan narasi budaya melalui lensa afro-ensiklopedis dan etika.

Kekuatan inti industri ini terletak pada kemampuannya untuk mengkonversi craftsmanship tradisional (seperti Aso Oke, Ankara embellishment, dan manik-manik Xhosa) menjadi aset mewah yang sangat bernilai, sekaligus menggunakan mode sebagai medium penceritaan yang mendalam dan kendaraan untuk mengatasi masalah sosial dan politik. Perpaduan keahlian tangan dan desain avant-garde membuktikan bahwa kreativitas, inovasi, dan kebanggaan budaya tidak mengenal batas.

Sebuah tantangan kritis, bagaimanapun, tetap ada: perlunya memperkuat fondasi ekonomi dan hukum untuk mendukung pertumbuhan kreatif. Walaupun teknologi digital menawarkan solusi untuk kendala produksi fisik, kerentanan terhadap pelanggaran HAKI meningkat secara proporsional. Selain itu, banjir limbah tekstil dari pakaian bekas impor terus melemahkan kapasitas manufaktur lokal. Investasi di masa depan fashion Afrika harus mencakup bukan hanya manufaktur, tetapi juga kerangka hukum yang kuat untuk melindungi aset kreatif yang kini dipamerkan secara global.

Rekomendasi Strategis untuk Konsolidasi dan Ekspansi Pasar

Berdasarkan analisis terperinci tentang kekuatan dan kelemahan struktural, laporan ini menawarkan rekomendasi strategis untuk memastikan industri fashion Afrika terus memimpin dan mengkonsolidasikan kehadirannya di pasar global:

1. Fokus pada Perlindungan Kekayaan Intelektual (HAKI): Pemerintah dan platform digital harus bekerja sama untuk memperkuat kerangka hukum HAKI. Perlindungan yang lebih baik diperlukan untuk melindungi desain, terutama format digital, dari peniruan cepat (infringement).
2. Mendorong Investasi dalam Mid-Scale Manufacturing: Industri memerlukan investasi modal ventura yang ditargetkan untuk mengembangkan fasilitas manufaktur semi-industri yang melampaui produksi artisanal, tetapi tetap mempertahankan standar etis yang tinggi (seperti yang dilakukan oleh Kenneth Ize) untuk memecahkan masalah skalabilitas dan logistik intra-Afrika yang mahal.
3. Reformasi Kebijakan Perdagangan Pakaian Bekas: Mendesak kebijakan yang membatasi impor pakaian bekas berkualitas rendah (Mitumba) dan mendukung pengembangan industri daur ulang tekstil di dalam benua. Hal ini penting untuk memungkinkan produsen Afrika menargetkan konsumen lokal dengan harga yang terjangkau, memacu permintaan domestik.
4. Ekspansi Pendidikan Digital dan Bisnis: Memperluas pelatihan dalam teknologi fashion, e-commerce, digital marketing, dan manajemen keuangan, melalui platform seperti Digital Fashion Academy, untuk memastikan desainer memiliki keterampilan operasional yang diperlukan untuk bersaing di pasar internasional yang kompleks.