Musik dari Luar Nalar: Evolusi Organologi dan Filosofi Instrumen Eksperimental dalam Narasi Musik Modern

Evolusi musik Barat selama berabad-abad sebagian besar telah terkurung dalam sistem temperamen setara (equal temperament) dua belas nada, sebuah konvensi yang, meskipun memungkinkan modulasi antar-tangga nada yang mulus, secara efektif membatasi spektrum resonansi alami yang tersedia bagi telinga manusia. Namun, terdapat arus bawah yang konsisten dari para visioner—komposer, luthier, dan penemu—yang memandang piano sebagai “dua belas batang penjara hitam dan putih” yang menghalangi kebebasan musikal. Narasi ini mengeksplorasi fenomena instrumen yang “luar nalar”, alat musik yang diciptakan bukan sekadar sebagai modifikasi dari bentuk yang ada, melainkan sebagai manifestasi dari filosofi baru tentang suara, materialitas, dan hubungan tubuh manusia dengan seni yang disebut “korporalitas”. Dari mikrotonalitas radikal Harry Partch hingga mesin marmer Martin Molin yang sangat kompleks, laporan ini membedah bagaimana instrumen-instrumen ini menantang batas-batas estetika dan teknis dalam sejarah musik.

Filosofi Pemberontakan terhadap Temperamen Setara

Sejarah musik sering kali ditulis sebagai perkembangan harmoni dan bentuk, namun jarang dibahas dari sudut pandang pembatasan frekuensi. Sejak abad ke-16, kebutuhan praktis untuk modulasi dan transposisi dalam ansambel besar mendorong adopsi temperamen: detuning sedikit dari interval optimal untuk fleksibilitas musikal. Hal ini menciptakan keterpisahan antara fisika suara murni dan praktik pertunjukan. Harry Partch, salah satu tokoh paling vokal dalam menentang sistem ini, menganggap bahwa musik Barat mulai menderita sejak era J.S. Bach, ketika abstraksi instrumental mulai mendominasi atas kejelasan vokal dan kemurnian intonasi.

Pemberontakan ini bukan sekadar masalah teknis penyeteman, melainkan pencarian kembali terhadap hubungan purba antara manusia dan suara. Partch, yang terinspirasi oleh karya Hermann von Helmholtz, On the Sensations of Tone, menyadari adanya kesenjangan antara musik dan produksi mekanisnya. Ia mencari musik yang “korporal”, sebuah istilah yang menekankan aspek fisik dan visceral dari pertunjukan, di mana instrumen tidak disembunyikan di lubang orkestra tetapi menjadi bagian visual dan ritual dari drama.

Harry Partch: Arsitek Monofoni dan Maestro Just Intonation

Harry Partch (1901–1974) adalah perwujudan dari tradisi “maverick” Amerika, seorang individu yang menolak institusi musik arus utama demi jalur artistik yang sepenuhnya mandiri. Kariernya dimulai dengan tindakan radikal: ia membakar semua karya musik awalnya dalam sebuah tungku masak sebagai bentuk penolakan total terhadap tradisi klasik Eropa. Sejak saat itu, Partch mendedikasikan hidupnya untuk membangun sebuah alam semesta musikal alternatif yang mencakup teori intonasi murni, skala 43 nada, dan orkestra instrumen buatan tangan yang eksotis.

Teori Intonasi Murni dan Skala 43-Nada

Inti dari inovasi Partch adalah penggunaan Just Intonation (Intonasi Murni). Berbeda dengan temperamen setara yang membagi oktaf menjadi 12 interval yang identik secara matematis, intonasi murni menggunakan rasio bilangan bulat yang diturunkan dari seri harmonik alami. Partch percaya bahwa telinga manusia secara intuitif merespons rasio sederhana seperti 2:1 (oktaf), 3:2 (kuint murni), dan 4:3 (kuart murni) karena kejernihan akustiknya.

Sistem Partch, yang ia namakan “Monophony”, tidak didasarkan pada satu nada tetap, melainkan pada jalinan fleksibel dari hubungan rasio yang dapat diperluas. Ia mengembangkan skala 43-nada yang sangat teliti, yang ia klasifikasikan sebagai “11-limit tonality”, artinya ia menggunakan rasio yang melibatkan bilangan prima hingga 11. Skala ini memungkinkan gradasi nada yang sangat halus, yang ia klaim lebih cocok untuk menangkap infleksi suara manusia dalam berbicara dibandingkan dengan skala 12-nada yang kaku.

Instrumen sebagai Karya Patung dan Ritual

Karena instrumen standar tidak mampu memainkan skala 43-nada miliknya, Partch terpaksa menjadi seorang penemu instrumen dan tukang kayu. Instrumen-instrumen buatannya sering kali memiliki estetika organik yang mengingatkan pada karya seni modern, menggunakan material mulai dari bambu hingga botol kaca Pyrex bekas laboratorium.

Setiap instrumen Partch dirancang dengan pertimbangan fisik yang mendalam. Sebagai contoh, Marimba Eroica memiliki bilah kayu raksasa yang dipasang di atas kotak resonator besar yang berfungsi sebagai ruang gema, menghasilkan nada rendah yang dapat dirasakan getarannya oleh tubuh penonton. Sementara itu, Kithara II berdiri setinggi tujuh kaki, mengharuskan pemain untuk berdiri di atas panggung khusus dan bergerak dengan gerakan atletis yang ia sebut sebagai “functional dance”.

Dalam visinya tentang teater total, instrumen-instrumen ini bukan sekadar properti, melainkan pusat dari aksi dramatis. Musisi diharapkan untuk bernyanyi, menari, dan berakting sambil memainkan instrumen mereka, menghapus batas antara orkestra dan aktor. Pengalaman Partch hidup sebagai pengembara (hobo) selama Depresi Besar sangat memengaruhi filosofi ini, memberinya perspektif tentang musik yang berasal dari realitas suara manusia yang terpinggirkan, yang kemudian ia abadikan dalam karya seperti Barstow dan U.S. Highball.

Katalog Organologi Harry Partch: Eksplorasi Material dan Suara

Koleksi instrumen Partch, yang kini sering disebut sebagai Instrumentarium, mencakup lebih dari dua lusin perangkat unik yang diklasifikasikan berdasarkan mekanisme produksinya: perkusi, petik, dan organ buluh.

Instrumen Perkusi Gelas dan Kayu

Salah satu instrumen Partch yang paling ikonik adalah Cloud-Chamber Bowls. Instrumen ini terdiri dari bel kaca besar berdiameter 16 inci yang dipotong dari karboy Pyrex bekas laboratorium radiasi Universitas California, Berkeley. Gelas-gelas ini digantung pada bingkai kayu dan menghasilkan suara lonceng yang jernih dan mistis saat dipukul.

Instrumen lainnya, Zymo-Xyl, menggunakan material yang bahkan lebih tidak lazim: botol saus tomat, tutup hub roda mobil, dan bilah kayu eukaliptus. Nama instrumen ini berasal dari kata Yunani untuk ragi (zymo) dan kayu (xyl), mencerminkan penggunaan botol ragi atau minuman keras dalam konstruksinya.

Instrumen Petik dan Harmoni

Instrumen petik Partch sering kali diadaptasi dari bentuk-bentuk kuno atau instrumen yang sudah ada. Adapted Viola adalah instrumen pertamanya, sebuah biola dengan leher selo yang memungkinkan jari-jari pemain menjangkau interval mikrotonal yang lebih luas. Ia menandai posisi jari pada fingerboard dengan brad kuningan kecil untuk membantu menemukan nada tepat dalam skala 43-nada miliknya.

Keluarga Kithara dan Harmonic Canon mewakili puncak kompleksitas harmonik dalam orkestra Partch. New Harmonic Canon I dan II (yang terakhir disebut Castor & Pollux) memiliki 44 senar yang direntangkan di atas kotak kayu dengan jembatan yang dapat dipindah-pindahkan. Penggunaan jembatan bergerak ini memungkinkan Partch untuk menyetel instrumen ke rasio frekuensi yang sangat spesifik untuk setiap komposisi baru, memberikan fleksibilitas tanpa batas dalam sistem intonasi murni.

Adaptasi Organ: Chromelodeon

Untuk menyediakan dasar harmonik bagi ansambelnya, Partch memodifikasi organ buluh standar menjadi apa yang ia sebut sebagai Chromelodeon. Ia mengganti penyeteman buluh-buluhnya agar sesuai dengan sistem monofonik dan menandai tuts piano dengan label berwarna dan angka rasio. Chromelodeon II bahkan memiliki 88 tuts dan tuts tambahan “sub-bass” untuk memberikan kedalaman frekuensi yang lebih luas bagi musik teaternya yang ambisius.

Leon Theremin: Revolusi Eter dan Otomasi Poliritmik

Sementara Harry Partch mengeksplorasi batas materialitas akustik, Leon Theremin (1896–1993) meluncurkan musik ke dimensi baru melalui manipulasi medan elektromagnetik. Penemuannya pada awal abad ke-20 menandai lahirnya musik elektronik massal pertama dan menantang definisi fisik tentang bagaimana seorang musisi berinteraksi dengan instrumennya.

Thereminvox: Instrumen Tanpa Sentuhan

Ditemukan pada tahun 1920 di Petrograd Physics-Technical Institute, instrumen yang awalnya bernama Etherphon ini bekerja berdasarkan prinsip heterodyning—interferensi antara dua osilator frekuensi radio. Pemain mengontrol nada dengan mendekatkan tangan ke antena vertikal dan mengontrol volume dengan antena horizontal. Kualitas suaranya yang menghantui, digambarkan sebagai perpaduan antara suara cello dan vokal manusia, segera menarik perhatian Vladimir Lenin dan kemudian audiens di New York City.

Signifikansi Theremin terletak pada pembebasan tangan musisi dari senar atau tuts fisik. Hal ini menciptakan hubungan yang hampir magis antara gerakan tubuh dan suara, sebuah bentuk performa yang kemudian menginspirasi Robert Moog dalam pengembangan synthesizer modern.

Rhythmicon: Mesin Drum Pertama di Dunia

Bekerja sama dengan komposer Henry Cowell pada tahun 1930, Theremin menciptakan Rhythmicon (atau Polyrhythmophone), sebuah perangkat yang dirancang untuk mewujudkan konsep “rhythmic harmony”. Cowell berteori bahwa hubungan antara ritme harus mencerminkan hubungan antara frekuensi dalam seri harmonik.

Rhythmicon menggunakan teknologi fotoelektrik primitif: cahaya bersinar melalui lubang-lubang pada cakram yang berputar (mirip cakram Nipkow pada televisi awal), yang kemudian ditangkap oleh sensor untuk menghasilkan pulsa ritmik. Perangkat ini mampu memainkan poliritme yang mustahil dilakukan secara manual, seperti triplet melawan kuintuplet, dengan setiap ritme disetel ke nada harmonik yang sesuai. Meskipun secara teknis luar biasa, instrumen ini dianggap “tidak bernyawa” secara emosional pada masanya, namun kini diakui sebagai leluhur sejati dari sequencer dan mesin drum digital.

Terpsitone dan Inovasi Espionase

Ambisi Theremin untuk menyatukan gerak dan musik memuncak pada Terpsitone, sebuah platform tarian yang mengubah gerakan seluruh tubuh penari menjadi suara melalui antena besar di bawah lantai panggung. Ini adalah perpanjangan dari konsep korporalitas, di mana ekspresi koreografi secara langsung mendikte komposisi sonik.

Namun, sejarah Theremin juga memiliki sisi gelap; setelah diculik kembali ke Uni Soviet, ia dipaksa bekerja di laboratorium rahasia (sharashka) KGB. Di sana, ia mengembangkan Buran, sistem penyadapan berbasis laser inframerah yang mendeteksi getaran suara pada kaca jendela, serta The Thing, sebuah alat penyadap pasif yang diletakkan di dalam Lambang Besar Amerika Serikat di kedutaan Moskow—sebuah teknologi yang menjadi pendahulu RFID modern. Keterkaitan antara musik elektronik awal dan teknologi intelijen ini menunjukkan bagaimana pemahaman mendalam tentang frekuensi dan getaran dapat digunakan untuk tujuan estetika maupun pengawasan.

Björk dan Proyek Biophilia: Penyatuan Alam, Musik, dan Aplikasi

Dalam era kontemporer, Björk terus mendorong batas-batas organologi melalui proyek Biophilia (2011), sebuah album multimedial yang mengeksplorasi hubungan antara struktur musik dan fenomena alam. Untuk merealisasikan visi ini, ia menugaskan pembuatan instrumen khusus yang menggabungkan prinsip akustik tradisional dengan kontrol digital mutakhir.

Gameleste dan Gravity Harps

Salah satu instrumen paling menonjol adalah Gameleste, sebuah hibrida antara gamelan perunggu Indonesia dan celeste Barat. Dibuat oleh Matt Nolan dan Björgvin Tómasson, instrumen ini menempatkan bilah-bilah perunggu gamelan di dalam mekanisme tuts celeste, menghasilkan timbre yang jernih, metalik, dan hampir seperti mainan (toy-like). Gameleste dapat dimainkan secara manual atau melalui kontrol MIDI dari aplikasi iPad, memungkinkan integrasi mulus antara teknologi komputasi dan resonansi fisik.

Instrumen lainnya, Gravity Harps, yang dirancang oleh Andy Cavatorta, menggunakan hukum fisika bumi sebagai sumber ritme. Terdiri dari empat pendulum setinggi tiga meter, masing-masing membawa harpa silinder dengan 11 senar. Saat pendulum berayun, komputer mengontrol urutan nada yang dipetik pada titik kesetimbangan, menciptakan arpeggio yang secara harfiah didikte oleh gaya gravitasi.

Pendidikan dan Ekosistem Digital

Proyek Biophilia melampaui musik semata; Björk merancang setiap lagu untuk memiliki aplikasi iPad pendamping yang mengajarkan prinsip musikologis melalui elemen alam. Misalnya, aplikasi lagu “Virus” menunjukkan interaksi antara virus dan sel; jika pengguna berhasil menghentikan virus, lagu akan berhenti, namun jika virus dibiarkan menang, lagu akan berlanjut—sebuah metafora tentang cinta dan invasi biologis.

Kritikus memuji upaya ini sebagai cara baru untuk memahami musik di era pasca-digital, meskipun beberapa menganggap aplikasi tersebut sebagai “mainan yang mendistraksi” dari kekuatan vokal Björk yang murni. Terlepas dari itu, penggunaan Singing Tesla Coils yang menghasilkan nada bass arpeggio dari percikan listrik tegangan tinggi tetap menjadi salah satu elemen visual paling spektakuler dalam pertunjukan langsungnya, menunjukkan bahwa bagi Björk, teknologi harus selalu memiliki kehadiran fisik yang mempesona.

Martin Molin dan Wintergatan: Obsesi Mekanik dan Mesin Marmer

Martin Molin dari band folktronica Swedia, Wintergatan, mewakili tipe inovator instrumen yang berbeda: seniman yang terobsesi dengan kerumitan mekanis dan kinetik. Karyanya yang paling terkenal, Marble Machine, adalah sebuah kotak musik raksasa bertenaga engkol yang menggunakan kelereng baja untuk memainkan ansambel instrumen.

Konstruksi Marble Machine

Mesin marmer orisinal, yang membutuhkan waktu 14 bulan untuk diselesaikan, terdiri dari 3.000 komponen buatan tangan. Mekanismenya bekerja dengan menaikkan kelereng melalui sabuk konveyor dan melepaskannya melalui gerbang yang dapat diprogram untuk memukul vibrafon, gitar bass, simbal, dan drum. Video demonstrasi instrumen ini pada tahun 2016 menjadi fenomena global, mendapatkan ratusan juta penayangan dan memicu minat baru pada instrumen mekanis.

Kegagalan dan Evolusi Marble Machine X

Tantangan utama yang dihadapi Molin adalah daya tahan; mesin orisinal terlalu rapuh untuk dibawa tur. Hal ini mendorongnya untuk memulai proyek Marble Machine X (MMX), sebuah desain yang lebih kokoh menggunakan komponen rekayasa presisi dan bantuan tim desainer global. Proses konstruksi didokumentasikan secara rinci melalui seri YouTube “Wintergatan Wednesdays”, menciptakan komunitas yang terlibat secara mendalam dalam setiap kegagalan dan keberhasilan teknisnya.

Namun, pada awal 2022, Molin mengumumkan pembatalan MMX karena desainnya yang masih kurang andal untuk tur dunia. Ia kini beralih ke Marble Machine 3, menggunakan perangkat lunak CAD dan simulasi digital sejak awal untuk menghindari kesalahan mekanis yang sama. Perjalanan Molin menunjukkan bahwa dalam penciptaan instrumen “luar nalar”, batas antara kejeniusan artistik dan keterbatasan teknik teknik mesin sangatlah tipis.

Keberlanjutan dan Eksperimentalisme Material: Sayuran dan Sampah

Di ujung lain dari spektrum kompleksitas mekanik, terdapat para musisi yang mencari suara dari material yang paling sederhana dan ramah lingkungan: sayuran segar dan limbah masyarakat.

The Vegetable Orchestra: Gemüsik dari Wina

Didirikan pada tahun 1998 di Wina, The Vegetable Orchestra memainkan musik secara eksklusif menggunakan instrumen yang terbuat dari sayuran segar. Kelompok ini terdiri dari musisi, seniman media, dan arsitek yang berkolaborasi untuk mengeksplorasi “akustik organik”.

Sebelum setiap pertunjukan, para musisi membeli sekitar 70 kg sayuran segar dari pasar lokal dan menghabiskan beberapa jam untuk membuat instrumen seperti:

• Carrot Recorders: Wortel yang dibor dan diberi lubang nada.
• Pumpkin Drums: Labu besar yang dikosongkan dan dipukul dengan stik wortel.
• Leek Violins: Batang bawang prei yang digesek untuk menghasilkan suara berderit yang unik.
• Cucumberphone: Terbuat dari mentimun sebagai badan, wortel sebagai mouthpiece, dan paprika sebagai lonceng resonator.

Filosofi mereka sangat dipengaruhi oleh gerakan Fluxus, di mana seni harus bersifat demokratis dan tidak permanen. Karena sayuran cepat mengering di bawah lampu panggung yang panas, penyeteman instrumen terus berubah, menciptakan elemen improvisasi yang tak terelakkan. Di akhir konser, semua instrumen dan sisa sayuran dimasak menjadi sup yang disajikan kepada audiens, mengubah pengalaman sonik menjadi pengalaman kuliner.

Recycled Orchestra of Cateura: Musik dari Tempat Sampah

Jika orkestra sayuran berfokus pada estetika, Recycled Orchestra of Cateura di Paraguay lahir dari kebutuhan sosial. Di sebuah desa yang dikelilingi oleh tempat pembuangan akhir, anak-anak belajar bermain musik klasik menggunakan instrumen yang dibuat sepenuhnya dari sampah.

• Biola: Dibuat dari kaleng cat, nampan pizza, dan peralatan dapur bekas.
• Saksofon: Menggunakan pipa air plastik, kunci dari koin dan tutup botol.
• Kontrabas: Dibuat dari drum minyak bekas.

Inisiatif ini menunjukkan bahwa keindahan musikal tidak bergantung pada kualitas material mahal, melainkan pada kemauan untuk mentransformasi limbah menjadi harapan. Pendekatan ini juga diadopsi oleh musisi seperti Ken Butler, yang menciptakan “Hybrid Visions” dengan mengubah raket tenis dan sapu menjadi instrumen petik elektrik yang fungsional.

Glass Armonica: Antara Keindahan Surgawi dan Ancaman Kesehatan

Salah satu instrumen paling aneh dan kontroversial dalam sejarah adalah Glass Armonica, yang ditemukan oleh Benjamin Franklin pada tahun 1761. Terinspirasi oleh pertunjukan gelas berisi air di London, Franklin merancang instrumen yang terdiri dari 37 mangkuk kaca yang disusun secara horizontal pada poros berputar yang digerakkan oleh pedal kaki.

Mekanisme dan Karakteristik Suara

Pemain memainkan instrumen ini dengan menyentuhkan jari-jari yang basah pada tepian gelas yang berputar, menghasilkan nada yang digambarkan Franklin sebagai “sangat manis”. Karena semua mangkuk kaca berada di depan pemain, mereka dapat memainkan akord yang kompleks dengan sepuluh jari sekaligus, mirip dengan piano.

Suaranya yang etereal dan memiliki resonansi yang membingungkan pendengaran membuatnya sangat populer di kalangan bangsawan Eropa, termasuk Marie Antoinette. Mozart dan Beethoven bahkan menggubah karya khusus untuk instrumen ini.

Sejarah Kegilaan dan Larangan

Namun, pada awal abad ke-19, reputasi instrumen ini hancur karena klaim bahwa suaranya menyebabkan kegilaan, keguguran, dan gangguan saraf. Di Jerman, instrumen ini dilarang setelah seorang bayi meninggal selama konser.

Penelitian modern menunjukkan bahwa bahaya sebenarnya bukan pada suara, melainkan pada kadar timbal tinggi (hingga 40%) dalam kristal kaca abad ke-18 serta cat timbal yang digunakan untuk menandai nada pada mangkuk. Musisi yang memainkannya selama berjam-jam kemungkinan besar menderita keracunan timbal karena penyerapan melalui ujung jari yang basah. Kini, instrumen ini telah dihidupkan kembali menggunakan kuarsa murni yang aman, namun aura mistisnya tetap bertahan.

Tantangan Notasi dan Transmisi Musik untuk Instrumen Eksperimental

Masalah paling kritis yang dihadapi oleh pencipta instrumen aneh adalah bagaimana cara mendokumentasikan musik mereka agar dapat direproduksi oleh orang lain di masa depan. Notasi musik standar tidak dirancang untuk mengakomodasi frekuensi mikrotonal atau teknik bermain yang tidak konvensional.

Sistem Notasi Harry Partch

Harry Partch mengembangkan sistem notasi yang sangat spesifik yang didasarkan pada rasio numerik dan tablature untuk setiap instrumennya. Ia menggunakan angka untuk menunjukkan posisi pada instrumen, bukan nama nada konvensional seperti “C” atau “G”. Namun, sistem ini tetap sulit dipahami tanpa pelatihan langsung dari Partch atau murid-muridnya, yang menyebabkan kekhawatiran bahwa warisan musiknya akan hilang setelah instrumen-instrumen aslinya rusak.

Notasi Grafis dan Aksi

Banyak komposer eksperimental beralih ke notasi grafis, menggunakan bentuk, warna, dan diagram untuk menyampaikan instruksi musikal.

• The Vegetable Orchestra menggunakan “comic-like” notation dan grafik abstrak karena tidak ada cara standar untuk menuliskan suara “gesekan mentimun”.
• Notasi Preskriptif (Action Writing): Alih-alih menuliskan nada yang harus terdengar, notasi ini menuliskan tindakan yang harus dilakukan pemain (misalnya, “putar engkol dengan kecepatan tertentu” atau “pukul bagian tengah labu”).

Tantangan notasi ini menunjukkan bahwa bagi para inovator instrumen, musik bukanlah sekadar data yang dapat dipindahkan, melainkan sebuah pengetahuan yang terwujud (embodied knowledge) yang terikat erat pada alat fisik dan interaksi manusia dengan material tersebut.

Kesimpulan: Masa Depan Musik dari Luar Nalar

Instrumen “paling aneh” yang pernah dibuat bukan sekadar keanehan sejarah, melainkan bukti dari dorongan manusia yang tak henti-hentinya untuk memperluas spektrum ekspresi sonik. Dari Harry Partch yang merombak seluruh dasar akustik musik Barat hingga Björk yang memadukan biologi dengan aplikasi digital, setiap inovasi ini menantang kenyamanan kita terhadap apa yang kita definisikan sebagai “musik”.

Meskipun banyak instrumen ini sulit diakses dan dipelihara—seperti instrumen Partch yang memerlukan perawatan konstan agar tetap dapat dimainkan—pengaruh mereka tetap signifikan. Mereka menginspirasi generasi baru musikus untuk melihat di luar “dua belas penjara hitam dan putih” dan mencari keajaiban dalam getaran benda-benda sehari-hari. Masa depan instrumen eksperimental kemungkinan akan terus bergerak ke arah hibridisasi antara materialitas fisik yang kasar (seperti sayuran atau sampah) dengan presisi kontrol digital, memastikan bahwa musik akan selalu memiliki ruang untuk yang tak terduga dan yang berada di luar nalar manusia.