Musik yang Memicu Kerusuhan: ‘The Rite of Spring’ Igor Stravinsky dan Kelahiran Modernisme Musik

Paris 1913 dan Seruan untuk Kelahiran Kembali yang Brutal

Pada malam Kamis, 29 Mei 1913, di Théâtre des Champs-Élysées, Paris, terjadi salah satu peristiwa teater yang paling melegenda dan paling kontroversial pada abad kedua puluh: pemutaran perdana balet Le Sacre du printemps (The Rite of Spring) karya komposer Rusia Igor Stravinsky. Acara yang dipersembahkan oleh rombongan avant-garde Ballets Russes, di bawah arahan impresario flamboyan Serge Diaghilev, ini tidak hanya memicu perdebatan sengit tetapi juga kekacauan fisik di kalangan audiens, yang secara efektif menandai dimulainya era baru dalam musik dan estetika Modernisme.

Konteks kultural Paris pra-Perang Dunia I sangat penting untuk memahami mengapa karya ini menimbulkan reaksi yang begitu visceral. Eropa saat itu berada dalam pergolakan, didorong oleh filosofi yang mempertanyakan moralitas dan konvensi Abad ke-19. Pemikir seperti Friedrich Nietzsche telah mengartikulasikan kebutuhan akan kehancuran norma-norma lama dan panggilan untuk “kelahiran kembali yang brutal”. Diaghilev, melalui Ballets Russes yang ia dirikan pada tahun 1909, secara aktif mencari sebuah Gesamtkunstwerk (karya seni total) yang akan memberikan pembebasan dari batasan yang ada. Kolaborasi sebelumnya dengan Stravinsky (The Firebird, 1910; Petrushka, 1911) telah sukses dan progresif, tetapi Le Sacre du printemps merupakan lompatan radikal, sebuah deklarasi perang terhadap estetika yang mapan.

Premis Skenario Primitivis

Ide sentral di balik Le Sacre berasal dari visi Stravinsky sendiri tentang ritual pagan yang khidmat: sekelompok tetua sage duduk melingkar, menyaksikan seorang gadis muda menari hingga mati. Konsep ini dikembangkan bersama seniman-arkeolog Nicholas Roerich, yang juga merancang desain panggung dan kostum. Subjudul balet—”Pictures of Pagan Russia in Two Parts”—menjelaskan narasinya: serangkaian ritual primitif Slavia merayakan kedatangan musim semi, yang berpuncak pada pemilihan dan pengorbanan seorang perawan kepada dewa kesuburan.

Inti dari skenario ini adalah pengorbanan perawan yang menari sampai mati—sebuah tema yang sangat provokatif, menggambarkan kekerasan ritualistik dan paganisme yang disajikan tanpa narasi moral atau resolusi yang nyaman. Ini secara langsung berbenturan dengan sensitivitas Paris yang berbasis pada masyarakat Kristen dan konvensi balet yang liris.

Primitivisme sebagai Senjata Budaya

Skenario Le Sacre tidak hanya bertujuan untuk menyajikan cerita rakyat Rusia kuno; ia berfungsi sebagai ideologi anti-Barat yang agresif. Diaghilev, Stravinsky, dan koreografer Vaslav Nijinsky menggunakan “ke-Lain-an” (the ‘Other’) dari Paganisme Slavia sebagai instrumen untuk secara fundamental menyerang estetika, moralitas, dan keteraturan Borjuis Paris.

Kejutan kultural yang direncanakan ini menunjukkan bahwa keberhasilan karya ini tidak diukur dari penerimaan kritis yang positif, melainkan dari sejauh mana ia dapat mengguncang dan menghancurkan konvensi audiensnya. Pilihan untuk menyajikan subjek “kasar, naluriah, dan tidak dimurnikan” yang secara eksplisit menolak anugerah dan keanggunan balet Eropa, menggarisbawahi upaya untuk memprovokasi kebingungan dan kekacauan.

Malam Bencana: Mitos, Realitas, dan Anatomika Skandal

Malam pemutaran perdana pada 29 Mei 1913, di Théâtre des Champs-Élysées, yang merupakan teater baru dan secara arsitektural kontroversial, telah menjadi kisah yang diselimuti oleh kontradiksi. Audiensnya adalah campuran dari masyarakat intelektual yang maju (penyokong seni avant-garde) dan kaum upper crust Paris yang elit.

Kronologi Escalation Kekacauan

Reaksi negatif audiens dimulai hampir segera setelah tirai diangkat.

1. Guncangan Pembukaan Sonik: Prelude, yang dibuka dengan bunyi basun pada register ekstrem yang luar biasa tinggi—sehingga instrumen standar tidak dapat dikenali—memicu tawa dan siulan. Seorang kritikus mencatat kebingungannya, di mana ia dan rekan-rekan musisi lainnya salah mengidentifikasi instrumen tersebut.
2. Koreografi yang Memperburuk: Ketika para penari muncul, menyajikan gerakan anti-ballet yang tersudut, hentakan kaki (stamping), dan berat di atas tanah, cemoohan meningkat menjadi lolongan.
3. Kekerasan Fisik: Kesaksian mata kontemporer menggambarkan kekacauan yang jauh melampaui kritik verbal. Perkelahian tinju terjadi, kursi-kursi dirobohkan, dan ada laporan tentang penarikan topi pria dan seorang wanita yang diduga mencoba menusuk tetangganya dengan jarum topi. Kegaduhan itu begitu hebat sehingga Vaslav Nijinsky, sang koreografer, harus lari ke belakang panggung dan berteriak menghitung gerakan tari kepada para penari, karena mereka sudah tidak dapat mendengar orkestra.
4. Intervensi Polisi: Polisi dipanggil selama jeda untuk mengevakuasi sekitar empat puluh anggota audiens yang paling bising. Kekacauan bahkan berlanjut ke jalanan dan dilaporkan setidaknya satu duel terjadi keesokan harinya.

Seniman Prancis Valentine Gross-Hugo kemudian mengingat malam itu, menyatakan, “Tidak ada dari semua yang pernah ditulis tentang pertempuran The Rite yang menyampaikan kesan lemah dari apa yang sebenarnya terjadi. Teater seakan-akan dilanda gempa bumi. Rasanya bergetar”.

Membongkar Mitos “Kerusuhan”

Meskipun kesaksian di atas mengindikasikan kekerasan yang luar biasa, analisis historis yang lebih bernuansa menunjukkan bahwa skala “kerusuhan” fisik telah dilebih-lebihkan dan dimitologikan seiring waktu.

Beberapa laporan awal mengenai pemutaran perdana menunjukkan inkonsistensi. Misalnya, beberapa laporan mencatat bahwa para penari sempat menerima lima kali curtain calls sebelum program dilanjutkan dengan balet lain, Le Spectre de la Rose. Sulit membayangkan pertunjukan dapat berlanjut seandainya kerusuhan fisik skala penuh benar-benar terjadi.

Impression Serge Diaghilev sangat menentukan dalam pembentukan narasi ini. Ia menyambut baik skandal tersebut, bahkan berkomentar bahwa kekacauan itu adalah “tepat seperti yang saya inginkan”.¹³ Istilah “riot” (kerusuhan) sendiri baru digunakan secara konsisten untuk mendeskripsikan malam itu mulai tahun 1920-an, di mana ia dimanfaatkan sebagai taktik pemasaran untuk menarik audiens, terutama di Amerika.

Peristiwa malam itu merupakan perpaduan antara gejolak sosial yang nyata, dipicu oleh guncangan estetika yang mendasar, dan mitos pemasaran yang dilebih-lebihkan secara retrospektif. Pergolakan itu nyata, tetapi dalam bentuk bentrokan kultural dan verbal, diperburuk oleh faktor-faktor non-artistik.

Salah satu faktor yang memperkuat kekacauan adalah fisika akustik teater baru itu. Laporan menunjukkan bahwa balkon Théâtre des Champs-Élysées memiliki resonansi yang luar biasa karena arsitekturnya. Suara dari orkestra besar yang memainkan disonansi keras (seperti yang diinstruksikan Stravinsky) memantul dari dinding beton, secara signifikan memperkuat efek suara yang abrasif di mata para kritikus dan penonton di area tersebut, mengubah ketidaksetujuan menjadi kekacauan sonik yang tak tertahankan. Dengan demikian, kerusuhan itu adalah produk dari benturan kultural yang diperkuat oleh amplifikasi suara yang tidak disengaja.

Kontras Total: Penolakan Estetika Balet Barat

Kekacauan di Paris tahun 1913 adalah respons langsung terhadap penolakan Le Sacre du printemps terhadap tiga pilar utama estetika balet Barat yang telah dipertahankan selama dua abad: subjek, visual, dan gerakan.

Visual Roerich: Estetika Kasar (The Brutal Aesthetic)

Nicholas Roerich, yang bekerja sama dengan Stravinsky dalam mengembangkan skenario, membawa keahliannya sebagai arkeolog dan seniman yang berfokus pada Rusia primitif. Desainnya secara sengaja menolak kemewahan dan keanggunan Balet Kekaisaran.

Kostumnya, yang didasarkan pada pakaian petani tradisional Rusia seperti rubaka (kemeja besar), poneva (rok lilit), dan sarafan (gaun A-line tanpa lengan), adalah berat, berwarna gelap, dan menutupi bentuk tubuh penari. Estetika ini menggantikan citra mitologi Yunani atau Romawi dengan citra ritual kesukuan yang kasar dan berbasis bumi, mengubah panggung Paris yang mewah menjadi representasi Steppe Rusia prasejarah.

Koreografi Nijinsky: Gerakan Anti-Ballet

Jika musik Stravinsky adalah revolusi sonik, koreografi Vaslav Nijinsky adalah revolusi motorik. Nijinsky dengan sengaja menolak semua konvensi balet klasik:

1. Penolakan Turnout: Balet klasik menekankan turnout (rotasi kaki ke luar) dan garis vertikal yang memanjang. Nijinsky memaksa para penari untuk menari dengan kaki ke dalam (pigeon-toed) dan tubuh membungkuk, menolak ilusi etereal anti-gravitasi.
2. Gerakan Earth-Bound: Gerakan yang dominan adalah hentakan kaki (stamping), gerakan tersudut (angularity), dan formasi melingkar yang reflektif terhadap ritual kesukuan dan shamanisme Slavia. Para penari terlihat berat di atas tanah, sebuah antitesis terhadap sifat ringan (ballon) balet Romantik.

Kritikus pada masa itu mencatat bahwa tidak ada “satu garis pun, satu gerakan pun dari satu karakter pun yang memiliki penampilan keanggunan, kemewahan, ringan, penyempurnaan, kefasihan, dan ekspresi. Semuanya jelek, canggung, terus terang dan konsisten jelek”.

Dekonstruksi Femininitas dan Estetika

Pergolakan ini dapat dianalisis sebagai respons terhadap penolakan estetika Balet Sacre terhadap cita-cita femininitas Barat yang mapan. Balet Eropa pada abad ke-19 memuliakan citra perempuan yang lembut, rapuh, dan eterik. Le Sacre sebaliknya menyajikan gambaran femininitas yang brutal dan terpaksa (seorang perawan yang dikorbankan) yang diekspresikan melalui gerakan kasar, terpusat ke bumi, dan primitif.

Penolakan terhadap keindahan yang halus dan penggantiannya dengan kekerasan dan kekasaran yang ditunjukkan di atas panggung dilihat oleh audiens elit Paris sebagai penolakan terhadap nilai-nilai inti peradaban Barat itu sendiri. Guncangan yang dihasilkan adalah reaksi terhadap penggantian norma keindahan yang mendarah daging dengan kekejaman ritualistik, yang secara radikal mengubah pemahaman tentang apa yang dapat diterima di atas panggung teater.

Untuk mengilustrasikan kontras ini secara struktural, perbandingan estetika antara konvensi yang ditolak dan inovasi Le Sacre disajikan di bawah:

Kontras Estetika: Balet Klasik vs. Le Sacre du printemps

Revolusi Sonik: Harmoni Biadab dan Ritme Liar sebagai Permulaan Musik Modern

Jika skenario dan koreografi memicu kontroversi sosial, skor Igor Stravinsky-lah yang bertanggung jawab atas guncangan struktural dan musikologis yang secara definitif mendefinisikan Le Sacre du printemps sebagai awal dari musik Modernisme. Stravinsky, melalui karyanya, tidak hanya memperluas teknik yang sudah ada, tetapi melakukannya dengan “kekuatan brutal” (brutal force).

Harmoni yang Abrasif: Logika Politonalitas

Musik Barat abad ke-19 didominasi oleh sistem tonalitas fungsional, di mana setiap akor memiliki peran (fungsi) dan cenderung bergerak menuju resolusi (akord dominan menuju tonik). Stravinsky menghancurkan struktur ini dengan dua inovasi harmonik utama: politonalitas dan harmoni statis.

Analisis Akor Augurs of Spring

Politonalitas didefinisikan sebagai penggunaan dua atau lebih kunci atau pusat tonal secara bersamaan untuk menghasilkan tekstur yang tegang dan padat. Contoh paling ikonik dari teknik ini terjadi pada bagian “Les Augures printaniers/Augurs of Spring: Dances of the Young Girls.”

Akor yang berulang dan disonan ini (dikenal sebagai akor Augurs of Spring) adalah superimposisi dari dua triad yang berlawanan: akor E mayor yang ditumpangkan pada akor E-flat dominant 7th (atau E♭ minor). Kedua akor ini berlapis dan dimainkan oleh bagian strings dengan volume keras (forte). Gesekan interval yang dihasilkan (terutama minor second antara E dan E♭) menghasilkan suara yang sangat abrasif dan asing bagi telinga audiens 1913.

Yang paling radikal secara musikologis bukanlah tingkat disonansinya, tetapi ketidakberfungsian harmoninya (harmonic stasis). Akor Augurs of Spring ini diulang dalam bentuk ostinato tanpa bergerak menuju resolusi tonal tradisional. Di tengah tidak adanya harmoni fungsional, momentum musikal tidak lagi diciptakan oleh progresi akor (seperti V-I), melainkan harus diciptakan melalui parameter lain, yaitu ritme dan aksen yang berulang. Ini secara fundamental mengubah fokus pendengaran dari narasi harmonik ke tekstur dan densitas sonik.

Revolusi Ritmis: Penghancuran Metrum Konvensional

Melalui Le Sacre du printemps, Stravinsky menetapkan ritme sebagai mitra yang setara dengan pitch dan harmoni dalam penataan musik. Robert P. Morgan mencatat bahwa Stravinsky menciptakan nada baru dalam balet ini, menanamkan kualitas “agresif, propulsif” yang tidak ada pada karya-karya sebelumnya seperti The Firebird.

Stravinsky mencapai revolusi ritmis ini melalui tiga cara utama:

1. Ritme Aditif Asimetris: Daripada menggunakan metrum yang teratur dan simetris, Stravinsky menggunakan sel-sel ritmik pendek yang digabungkan dan dimanipulasi melalui penambahan atau pengurangan durasi, menghasilkan periode ritmik yang tidak teratur. Ini menolak simetri frase musik Barat yang khas, sehingga menghilangkan rasa denyutan metrik yang dapat diprediksi.
2. Aksen Irregular: Stravinsky menggunakan aksen yang tidak terduga dan sering mengubah tanda birama secara cepat, terutama di bagian klimaks seperti Sacrificial Dance (Danse Sacrale). Hal ini menciptakan perasaan liar dan primitif yang sangat sulit untuk dipahami dan dimainkan oleh para musisi.
3. Orkestrasi Perkusif: Stravinsky memperlakukan orkestra yang besar sebagai mesin perkusif, menggunakan instrumen seperti strings dan winds untuk menghasilkan pukulan ritmis yang brutal, bukan hanya melodi liris. Penggunaan register ekstrem—seperti basun di register tinggi—membuat instrumen standar menjadi tidak dikenali, yang merupakan salah satu alasan awal penonton bingung dan tertawa.

Kegagalan Pengenalan dan Kekacauan Kognitif

Guncangan radikal yang dialami penonton Paris tahun 1913 dapat dijelaskan sebagai kegagalan total sistem pengenalan auditori. Musik Romantik dibangun di atas ekspektasi resolusi tonal dan metrum yang teratur.

Ketika audiens gagal mengidentifikasi instrumen tunggal di awal Introduction, dan kemudian dihadapkan pada ritme yang tidak terduga, akor yang tidak bergerak, dan disonansi yang abrasif, mereka kehilangan titik pijak kognitif atau emosional dalam konvensi yang mereka kenal. Stravinsky menghapus narasi teleologis (pergerakan menuju tujuan) yang mendominasi musik abad ke-19, menggantinya dengan blok-blok suara yang statis, berulang, dan didorong oleh kekerasan ritmik. Konsekuensi musikologis ini menyebabkan audiens merasakan “kekacauan dan kehancuran” yang dicari oleh Diaghilev. Analisis ini menunjukkan bahwa Le Sacre secara efektif menandai “akhir dari waktu musikal seperti yang kita kenal,” mengalihkan fokus dari evolusi harmonik ke eksplorasi ritmik yang agresif.

Matriks Inovasi Teknikal dan Musikologis dalam Le Sacre du printemps

Warisan Abadi: Cetak Biru untuk Musik Abad ke-20

Meskipun pemutaran perdana balet asli Vaslav Nijinsky hanya berlangsung singkat—lima kali di Paris dan empat kali di London sebelum terhenti karena pecahnya Perang Dunia I dan masalah internal Ballets Russes—skor musik Le Sacre du printemps segera diakui sebagai mahakarya dan salah satu karya musik paling berpengaruh di abad ke-20.

Skor orkestra mandiri Le Sacre segera mendapatkan pengakuan yang setara, jika tidak lebih besar, daripada versi baletnya. Pada tahun 1920-an, karya ini mulai dipentaskan kembali dan segera dipuja. Komposer kontemporer Stravinsky segera menerima perubahan dramatis ini, memanfaatkan kebebasan komposisional yang diungkapkan dalam Le Sacre untuk menciptakan komposisi modern mereka sendiri.

Stravinsky dan Kelahiran Serialisme Integral

Dampak paling mendalam dari Le Sacre terlihat pada cara komposer generasi selanjutnya memandang dan memproses ritme. Seorang tokoh kunci dalam formalisasi inovasi Stravinsky adalah komposer Prancis Olivier Messiaen.

Messiaen terpesona oleh orisinalitas praktik ritmik The Rite, yang mencakup perluasan dan kontraksi sel ritmik, aksen tidak teratur, dan pelapisan pola ritmik asimetris. Ia menganalisis karya tersebut secara mendalam pada tahun 1930, dan melalui pengajaran dan komposisinya, ia menjadi penyebar utama ide-ide ritmik Stravinsky.

Konsep Karakter Ritmik (Rhythmic Characters)

Dari analisisnya terhadap bagian klimaks Sacrificial Dance (Danse Sacrale), Messiaen mengembangkan perangkat komposisi yang ia sebut Karakter Ritmik. Ia memandang manipulasi sel ritmik variabel dan stasioner Stravinsky di bagian ini seolah-olah mereka adalah entitas hidup yang “terkunci dalam perjuangan abadi”.

Perangkat ini melibatkan tiga tipe ritmik berbeda yang menghasilkan gerakan melalui pengulangan dan penjajaran:

1. Satu ritme yang diperluas (augmentasi) dengan nilai nada tetap di setiap pengulangan.
2. Satu ritme yang diperpendek (kontraksi) di setiap pengulangan.
3. Satu ritme yang tetap konstan (stasioner).

Messiaen tidak hanya membedah ritme Stravinsky, tetapi juga menyoroti kecenderungan Stravinsky untuk memperlakukan parameter musik secara terpisah (seperti ritme, dinamika, dan pitch). Pemisahan parameter ini adalah praktik yang kemudian mendorong komposer muda menuju serialisme integral, di mana setiap elemen musik tunduk pada pengaturan serial yang ketat.

Transformasi Kekacauan menjadi Sistem

Warisan paling signifikan dari Le Sacre adalah transformasinya dari ledakan intuitif yang “brutal” menjadi kerangka kerja akademis yang formal. Kekacauan ritmis yang memicu kerusuhan pada tahun 1913, di tangan Messiaen dan murid-muridnya, dianalisis, diformalisasi, dan diubah menjadi sistem komposisi yang sangat terstruktur.

Dampak pada Generasi Pasca-Perang

Dua murid Messiaen yang paling berpengaruh, Pierre Boulez dan Karlheinz Stockhausen, membangun langsung di atas fondasi ritmik yang dipelopori oleh Stravinsky:

• Pierre Boulez: Boulez, yang dianggap Messiaen sebagai ahli waris musiknya dalam hal ritme, memfokuskan analisisnya pada manipulasi seluler ritmik dalam Le Sacre. Boulez menggunakan ajaran ini sebagai titik awal untuk memperdebatkan bahwa ritme harus diintegrasikan dengan polifoni, baik secara dependen maupun independen.
• Karlheinz Stockhausen: Stockhausen membawa ide ritme irasional dan pelapisan ritmik Stravinsky ke batas ekstrem. Dalam karyanya, ia mengembangkan teknik yang dikenal sebagai Polytemporality dalam Zeitmasse (1956), di mana lima pemain secara simultan beroperasi pada tempo yang berbeda (satu secepat mungkin, satu selambat mungkin, satu berakselerasi, satu melambat, dan satu konstan). Teknik ini adalah pengembangan langsung dari konsep Karakter Ritmik dan superimposisi ritmik Stravinsky.

Oleh karena itu, The Rite of Spring bukan hanya sebuah karya Modernisme, melainkan jembatan yang menghubungkan primitivisme yang bersifat naluriah dan intuitif dengan strukturalisme dan formalisme akademis yang mendominasi musik pasca-Perang Dunia II.

Warisan Ritmik: Le Sacre sebagai Cetak Biru Komposisi Pasca-Perang

Kesimpulan: Epilog dari Sebuah Guncangan

Le Sacre du printemps karya Igor Stravinsky adalah zeitgeist artistik yang mengkristalkan kekacauan dan hasrat akan pembaruan yang dirasakan di Eropa pada tahun 1913. Guncangan yang terjadi pada malam 29 Mei 1913, di Paris, adalah manifestasi sosiokultural dari kekerasan sonik dan visual yang disajikan di atas panggung. Meskipun narasi kerusuhan fisik sering dilebih-lebihkan di kemudian hari untuk tujuan pemasaran, gejolak emosional dan kekacauan verbal di antara audiens adalah respons yang valid terhadap serangan radikal terhadap estetika Barat, yang diwujudkan melalui skenario pagan yang brutal, koreografi anti-ballet Nijinsky, dan orkestrasi perkusif Stravinsky.

Secara musikologis, karya ini menandai penolakan total terhadap dua pilar utama tradisi Romantik: harmoni fungsional dan metrum yang teratur. Penggunaan politonalitas statis—seperti akor Augurs of Spring—dan ritme aditif asimetris, secara permanen mengalihkan perhatian komposer dari pitch ke durasi dan tekstur.

Dampak Le Sacre melampaui kontroversi pertamanya. Karya ini menyediakan cetak biru teknis bagi generasi komposer pasca-Perang Dunia II. Melalui formalisasi analisis ritmis Messiaen, kekacauan intuitif Stravinsky ditransformasikan menjadi dasar struktural serialisme integral yang sangat ketat, yang pada akhirnya mendominasi musik avant-garde selama puluhan tahun.

Singkatnya, malam yang kacau di Paris itu, yang disalahpahami oleh sebagian besar audiensnya, adalah salah satu momen paling penting dalam sejarah seni. The Rite of Spring bukanlah sekadar balet yang memicu kerusuhan; ia adalah katalis yang menghancurkan batasan artistik abad ke-19 dan secara definitif melahirkan Musik Modern.